Autoretrato

Lo que intento mostrar en esta fotografia es como algo que yo quiero me es arrebatado de las manos, pueden ser desde cosas muy vanales hasta cosas que en realidad tienen algun tipo de significado para mi. Siempre he sentido que al ser yo la segunda hija me concienten de sierta forma y mas al ser mujer, mi hermano al ser el mayor lo concienten en otra. Al ser hombre creo que le dan mas privilegios en algunas cuestiones.

Lo que intento mostrar es como facilmente una palabra de él puede hacer que todos los argumentos que yo le hubiese dado a mi padre antes quedasen enterrados bajo las palabras de mi hermano.

Es una silenciosa pero constante lucha entre mi hermano y yo.

 

Resumen general de todos los temas vistos

 

FOTOGRAFIA

La fotografía es la forma de representar momentos vividos, la forma de documentar ciertas cosas que están sucediendo en un espacio de tiempo determinado. Se pueden representar hechos reales, como lo sería la fotografía documental o de reportaje. También se pueden crear escenarios, fabricar la escena, es decir la fotografía creativa.

Los tres grandes temas que muchos de los fotógrafos utilizan y que en realidad en globan todos los temas son:

·        La vida

·        La muerte y

·        El amor

La fotografía viene siendo una evolución de la pintura, ya que muchos de las técnicas utilizadas por los pintores en los años de 1520 en adelante también son utilizados por los primeros fotógrafos, ya que muchos de los pioneros en este arte primero habían estudiado o tenían noción de pintura.

La historia de la fotografía empieza en el siglo XIX, cuando en el año de 1816 el científico francés Nicephore Niepce obtuvo las primeras imágenes fotográficas.

En 1839 Louis Daguerre hizo público su proceso para la obtención de fotografías basado en la plata denominada Daguerrotipo.

La fotografía tuvo su auge comercial a partir de 1888 cuando Kodak sacó al mercado una cámara que utilizaba carretes de 100 fotos circulares, y sobre todo debido a la industrialización del proceso de impresión de película fotográfica.

LA FOTOGRAFIA EN LAS ARTES VISUALES

La fotografía artística ha existido desde que se invento la fotografía en si, ya que para lo que se utilizaba principalmente era para retratos de la aristocracia. Durante el siglo XIX son pocos los intentos los que se animan a desafiar el lugar que la institución artística ha destinado para la fotografía: el de auxiliar científico a la observación de la realidad, sin ninguna posibilidad de aspirar a la categoría de obra de arte por que se consideraba que todo el trabajo lo hacia la cámara.

PICTORIALISMO

Surge en el año de 1890 en Europa por un grupo de fotógrafos que manipula el positivado y propone que el resultado sea una obra de arte fotográfico.

La fotografía pictorialista también se conoce como fotografía impresionista por la similitud formal y temática con esta corriente de la pintura.

 

IMPORTANCIA DE LA FOTOGRAFIA

Desde su nacimiento la fotografía ha tenido un gran impacto en la vida de las personas, ya que mediante esta técnica pueden preservar momentos especiales de la vida de una persona como cumpleaños, el retrato de una persona y muchas cosas más.

A través de la documentación fotográfica, abordamos un método de análisis social que nos permite la representación de la realidad a la que nos enfrentamos y queremos descubrir, examinando sus puntos débiles, refiriendo acontecimientos, mostrando sus aspectos dramáticos y apuntando a una comprensión amplia, dejando imágenes vivas en nuestras mentes.

Además la fotografía artística o documental expresa maneras de pensar y de sentir del fotógrafo que está tomando la imagen, ya que es uno de los fines de la fotografía.

¿Qué es la fotografía?

Una representación, instrumento de control político, interpretación del mundo, bidimensional, abstracción, verosímil, memoria, arte, documento, registro de la memoria, poderoso medio de comunicación, método de conocimiento, superficie significativa, superficie mágica.

PERCEPCION

El hombre adquiere conciencia de sí mismo y del mundo que le rodea por medio de sus sentidos. A partir de los estímulos recogidos por los sentidos del hombre DESCUBRE, ORGANIZA y RECREA la realidad, adquiriendo conciencia de ella por medio de la percepción.

La percepción es la forma en cómo nosotros vemos al mundo, es decir la forma en que nos hacemos una idea de cómo será tal o cual cosa, circunstancia o persona.

Por ejemplo si vemos unos colores en tonos amarillos, rojos y naranja, en una fotografía inmediatamente sentimos la sensación de que estaba haciendo calor, que la fotografía te manda una especie de calidez.

La percepción pertenece al mundo de lo individual interior, al proceso psicológico de la interpretación y al conocimiento de la cosas  de los hechos.

“Es la sensación interior de conocimiento aparente que resulta de un estímulo o impresión luminosa registrada en nuestros ojos”

PROXEMICA

Se refiere a la cercanía en que suceden las cosas, mejor dicho se refiere a la cercanía que tiene con nosotros determinada situación.

Por ejemplo nos sentimos más interesados y angustiados por lo que pasa en México que por los problemas que puedan llegar a tener los europeos, ya que mucho tiene que ver con la cercanía y el impacto personal que se lleve determinada persona.

El investigador Hall definió tres tipos de proxemica que son:

·        Espacio fijo: es el marcado por estructuras inamovibles, como las barreras de los países.

·        Espacio semifijo: es el tipo de espacio que posee obstáculos posibles de mover o que se mueven.

·        Espacio personal o informal: espacio alrededor del cuerpo. Varía en función de las culturas, ya que cada cultura estructura su espacio físico. Este espacio puede ser invadido. Si se utiliza un territorio ajeno con falta de respeto (mirar fijamente a alguien u ocupar dos asientos con bolsas cuando hay gente de pie) se da una violación del terreno.

EL RETRATO

Es una pintura o una fotografía que tiene el fin de mostrar a un espectador una representación artística de una persona. La intención de un retrato es mostrar una imagen de una persona y su personalidad.

El arte del retrato floreció en las esculturas romanas, en las que los retratados demandaban retratos realistas, incluso si no les favorecían.

En el retrato fotográfico se reúnen unas series de iniciativas artísticas que giran en torno a la idea de mostrar las cualidades físicas y morales de la persona.

LA CAMARA REFLEX

La cámara fotográfica es una máquina que produce una imagen a partir de la luz reflejada por un sujeto u objeto.  Para que se forme la imagen, la luz debe de pasar a través de un pequeño orificio, utiliza un objetivo con distintas aperturas o diafragma y con un obturador que permite la entrada de luz en fracciones de tiempo controlables.

Velocidad de obturación: Es el tiempo que permanece abierto el obturador.

Diafragma: Gradúa la mayor o menor intensidad de luz que debe durante el tiempo que está abierto el obturador.

Disparador: Dispositivo que permite que se quede grabada la imagen, es decir, al momento de nosotros presionar ese botón se queda en la película la imagen que hemos visto previamente por el ojo visor.

Anillo de enfoque: Permite mover hacia delante o hacia atrás la imagen para regular la distancia entre la cámara y el objeto a fotografiar, además de conseguir una imagen más nítida.

Carrete: Es un cilindro que enrolla la superficie sensible cada vez que se corre el deslizador de la película.

Espejo: Hace un juego de proyección con el pentaprisma para capturar exactamente lo que vemos por el visor, y al ser accionado el disparador se desplaza hacia arriba para que esa imagen se refleje en la superficie sensible.

Soporte para el flash: Es donde se inserta el flash.

Botón de rebobinado: Sirve para rebobinar la película después de que el carrete haya sido enrollado y utilizado.

Contador de vistas: Te permite saber cuántas fotografías has tomado.

Visor: Es por donde se ve la imagen.

Conexión para cable de flash: Es la conexión que permite a las cámaras antiguas que no tienen conexión directa desde la zapata del flash, conectarse a la cámara.

Objetivo: Sistema óptico compuesto por varias lentes, que canaliza la luz que reflejan los objetos situados ante él.

Caja: Estuche hermético a la luz y de color, contiene todos los elementos anteriores y constituye el cuerpo de la cámara.

TIPOS DE CAMARA

Cámara de  visor directo: Se ve al sujeto a través de un visor, su enmarcado ayuda a compensar cualquier error que se pudiera cometer en el encuadre. Este tipo de cámaras utiliza películas de tamaño 110, 120, 126, 135.

Cámara con telemetro: Es una cámara de visor directo, pero con mandos más avanzados que suelen incluir un exposímetro. El telemetro mide la distancia a la que se encuentra el sujeto para un mejor enfoque. Casi todas estas cámaras admiten películas de 35 mm. Tamaños de películas que utilizan 110, 120, 135, 220.

Cámara réflex con un solo objetivo: Ofrece el sistema de visor más eficaz. Un espejo, con una inclinación de 45 grados, detrás del objetivo dirige la luz hacia arriba a una pantalla de enfoque, lo cual elimina errores de encuadre. Tamaños de película 135.

Cámara cuadrada réflex de un solo objetivo: Tiene dos visores arriba, por lo que hay que colocarlas a la altura de la cintura. La mayoría de los modelos tienen cartuchos o insertadores de películas intercambiables, lo que permite cargar la cámara muy deprisa. Tamaños de película: 6 x 6 cm, 6 x 7 cm, 4, 5 x 6 cm, 70 mm de doble perforación.

SENSIBILIDAD DE LA PELICULA (ISO-ASA)

La película fotográfica es una emulsión que contiene una sustancia sensible a la luz como el nitrato de plata sobre una capa plástica. La fotografía blanca y negra utiliza solo una capa de plata mientras que las de color utilizan tres capas.

Tipos de películas

Negativo en blanco y negro: Se obtiene una imagen en tonos grises inversa a la original, esto es las luces el motivo son grises oscuros o negros y las sombras del motivo son grises claro o blancos en el negativo.

Negativo en color: Se obtiene una imagen en los tonos complementarios de los originales.

Diapositiva en blanco y negro: Se obtiene una imagen en tonos grises del mismo valor que en el motivo original, esto es, las luces corresponden a los grises claros mientras que el motivo corresponde a los colores oscuros.

Diapositiva a color: Se obtiene una imagen con los mismos colores del motivo original.

Película infrarroja: Es una película sensible al verde, rojo y al infrarrojo.

Película lith o película de línea: Es una película negativa de muy alto contraste, pues solo reproduce blancos y negros.

TIPOS DE OBJETIVOS

Podemos hablar de cuatro tipos de objetivos que son: ojo de pez (fish eye), gran angular, objetivo normal y el teleobjetivo.

Ojo de pez: Ofrece una imagen con un ángulo visual extremo de 180 grados o más. Por su gran distorsión, transforman la escena en una imagen circular.

Gran angular: Se consideran gran angulares aquellos que nos dan un ángulo visual de 60 a 180 grados. Hacen que los objetos cercanos a la cámara aparezcan más grandes con relación a los objetos más alejados.

Objetivo normal: Son los que cubren un ángulo de visión de 45 a 56  grados lo que se aproxima a la visión de un ojo humano inmóvil.

Teleobjetivo: Se consideran teleobjetivos aquellas ópticas con un ángulo visual menor de 31 grados. Su principal característica es el formar en la cámara imágenes grandes de objetos alejados.

FILTROS

Según el uso que se le da a los filtros, podríamos hablar de la existencia de cinco grandes grupos: filtros protectores, filtros polarizadores, filtros de densidad neutra, de colores, y filtros de efectos especiales.

Filtros protectores: También llamados filtros UV, son los más sencillos ya que no modifican la imagen para nada. Protegen al lente de golpes, polvo y arañazos, dejando pasar completamente la luz.

Filtros polarizadores: Se caracterizan por pasar únicamente la luz polarizada, buscan eliminar los reflejos sobre superficies no metálicas como agua y cristal, el realce del colorido de las plantas al filtrar el color azulado del cielo, eliminando la luz del cielo logrando un azul más oscuro.

Filtros de densidad neutra: Filtran todo el espectro visible, permitiendo la reducción de la intensidad de la luz sin que se altere el color o el contraste, buscan reducir la intensidad de luz, utilizar una menor velocidad de obturación, utilizar una abertura del diafragma mayor.

Filtros de colores: Utilizados principalmente en fotografía en blanco y negro, de colores amarillos, naranjas, rojos y verdes, absorben ciertos colores resaltando otros.

PROFUNDIDAD DE CAMPO

Factores que la determinan

·        La distancia de enfoque: Cuanto más cerca este el objetivo, menor es la profundidad de campo.

·        La distancia focal: Cuanto mayor sea la distancia focal del objetivo (teleobjetivos), menor será la profundidad de campo.

·        Diafragma usado: Cuanto mayor sea la apertura del diafragma, menor será la profundidad de campo.

ANALISIS DE NEGATIVOS

Negativo: Película emulsionada con una capa sensible a la luz que tras la exposición y el procesado produce imágenes captadas con la cámara en valores complementarios.

Un negativo es una imagen fotográfica en la que las luces aparecen en tonos oscuros y las sombras en tonos claros. La luz reflejada por el motivo hace que, después del revelado, los haluros de plata ennegrezcan en mayor o menor medida, de forma que a mayor intensidad luminosa, mayor oscurecimiento de las sales de plata. Las zonas que reflejan poca luz o ninguna se convierten en las partes claras o transparentes de la emulsión.

En color, además de esta inversión tonal, se produce una inversión cromática, y cada color aparece representado por su complementario. A partir de un negativo se obtiene un positivo proyectando aquel en un segundo material fotográfico, por lo general un papel.

 

Historia de la fotografìa

La Historia de la fotografía es la rama de la historiografía cuya área de conocimiento se basa en el estudio de la extensión artística de la fotografía a lo largo de toda la historia de la humanidad y su posterior clasificación e interpretación.

Antecedentes

Un antecedente de la fotografía es la necesidad del hombre moderno de plasmar la realidad a través de una nueva forma de ver el tiempo, expresado con la ayuda de las cámaras y no de la expresión artística manual, como había sido hasta la fecha.

Como antecedentes de la fotografía se encuentra la cámara oscura, y las diversas investigaciones sobre la reacción de las sales de plata a la luz, así como a las técnicas artísticas de la figura.

Cronología

1521 La primera publicación sobre la cámara oscura es la de Cesare Cesariano, un alumno de Leonardo durante el Renacimiento. Por su parte, el científico Georgius Fabricus experimentaba ya con las sales de plata, notando algunas de sus propiedades fotosensibles.

1558, Giovanni Battista della Porta por sus publicaciones sobre la cámara oscura se hizo popular entre los pintores de la época. Gerolamo Cardano sugiere una importante mejora: una lente en la apertura de la cámara.

1600, durante el siglo XVII, la cámara que hasta ese momento era una habitación como tal se transforma en un instrumento portátil de madera. Johann Zahn transformó esa caja en un instrumento parecido a lo usado en los principios de la fotografía.

En este siglo los científicos continuaban experimentando con sales de plata, notando cómo se oscurecían con la acción del aire y del Sol, sin saber que era la luz la que les hacía reaccionar, hasta que científicos como el sueco Carl Wilhelm Scheele y el suizo Jean Senebier revelaron que las sales reaccionaban con la acción de la luz.

1685, de acuerdo a tratados publicados por Zahn ya la cámara estaba lista para la fotografía, pero tuvieron que pasar 130 años más para que pudiera dar los primeros frutos concretos, aún los químicos no estaban listos.

1777, el sueco Carl Wilhelm Scheele publica su tratado sobre las sales de plata y la acción de la luz en latín y alemán, en 1780 en inglés y un año más tarde en francés. En el estilo de las pinturas de artistas exitosos de este siglo como Canaletto o Jean Auguste Dominique Ingres, parece evidente el uso de esta poderosa herramienta, la cámara oscura. Una cámara de este tipo que tiene grabado el nombre de Canaletto, se preserva en Venecia, aunque no está confirmado que efectivamente perteneció al artista.

Artistas que comercializaban con éxito retratos, como el de Maximilien Robespierre, hacían uso de todo tipo de instrumentos para lograr trabajos casi perfectos.

El Physionotrace para hacer perfiles inventado por Gilles Louis Chretien despertaron en la burguesía francesa el apetito por la iconografía, así, pocas décadas faltaban para la aparición del invento que nos interesa.

1801, pocos años antes de su muerte el inglés Thomas Wedgwood hizo los últimos descubrimientos en los procedimientos para capturar imágenes, pero hasta su muerte en 1805 no logró hacerlas permanentes.

Inicios

La Historia de la Fotografía inicia a principios del siglo XIX, cuando en el año 1816 el científico francés Nicéphore Niepce obtuvo las primeras imágenes fotográficas, aunque la fotografía más antigua que se conserva es una imagen obtenida en 1826 con la utilización de una cámara oscura y un soporte sensibilizado mediante una emulsión química de sales de plata.

Niepce comenzó sus investigaciones, necesitando ocho horas de exposición a plena luz del día para obtener sus imágenes. En 1839 Louis Daguerre hizo público su proceso para la obtención de fotografías basado en la plata denominada Daguerrotipo, que resolvía algunos problemas técnicos del procedimiento inicial de Niepce y reducía los tiempos necesarios de exposición. Su procedimiento resulta ser el antecesor de la actual fotografía instantánea de Polaroid. Casi al mismo tiempo Hércules Florence, Hippolythe Bayard y William Fox Talbot desarrollaron otros métodos diferentes. El creado por William Fox Talbot se basaba en un papel cubierto con cloruro de plata que es mucho más cercano al de la fotografía de hoy en día, ya que producía una imagen en negativo que podía que ser posteriormente positivada tantas veces como se deseara.

Por esos tiempos el Daguerrotipo era mucho más popular ya que era particularmente útil para los retratos, costumbre común entre la clase media burguesa de la Revolución Industrial. Es un hecho que gracias a la enorme demanda de estos retratos, mucho más baratos que los pintados, la fotografía fue impulsada enormemente.

Innovaciones técnicas y científicas

Daguerrotipo de 1837.

Para la captación de las imágenes se empleó la cámara oscura que sufrió constantes mejoras en su diseño y tamaño, así como en las lentes ópticas u objetivos utilizados, debido a las aportaciones de diferentes investigadores de punta.

Los procedimientos fotográficos utilizados durante el siglo XIX fueron el Daguerrotipo, el Calotipo, el Colodión Húmedo y el Gelatino-bromuro. Estos dos últimos son los que más evolucionaron el conocimiento fotográfico mediante una serie de mejoras en el Calotipo creado por William Fox Talbot. No deben olvidarse las aportaciones de George Eastman y la casa Kodak, que nos permiten concluir el camino hacia la instantánea fotográfica.

En el campo de las investigaciones científicas efectuadas con la utilización de la fotografía deben resaltarse los estudios sobre locomoción humana y animal de Étienne Jules Marey y Edward Muybridge.

La fotografía tuvo su auge comercial a partir de 1888 cuando Kodak sacó al mercado una cámara que utilizaba carretes de 100 fotos circulares, y sobre todo debido a la industrialización del proceso de impresión de película fotográfica. Para el usuario de a pie, que 100 años después usa una cámara de usar y tirar, muy poco ha cambiado desde entonces, salvo que la fotografía en color se ha impuesto como estándar, y que las ayudas en el enfoque y el cálculo automático de la velocidad de exposición y apertura del diafragma son ahora habituales. Tal y como para los aficionados de la fotografía en blanco y negro prácticamente no ha cambiado nada desde la introducción en el mercado de la Leica 35mm en 1925.

La cinta de un tartán. Primera fotografía en color. Tomada por James Clerk Maxwell realizando tres fotografías sucesivas cada vez con la lente tras un filtro diferente: rojo, verde y azul. Cada una de las tres imágenes se proyectaba sobre la misma pantalla con la luz del color del filtro que se había empleado para tomarla.

La fotografía en color fue desarrollada durante el siglo XIX. Los experimentos iniciales no fueron capaces de conseguir que los colores se quedaran fijados en la fotografía. La primera fotografía en color fue obtenida por el físico James Clerk Maxwell en 1861. Sin embargo, la primera película fotográfica en color -Autochrome- no llegó a los mercados hasta 1907. La primera película fotográfica en color moderna, KodaChrome, fue utilizada por primera vez en 1935. Las más modernas, a excepción de ésta, han sido basadas en la tecnología desarrollada por Agfacolor en [[1936].

Fotografía en el siglo XX hasta la Segunda Guerra Mundial

La aproximación a este período histórico de la fotografía nos lleva ineludiblemente al análisis del periodismo fotográfico, la relación de las vanguardias históricas y la fotografía y a una exposición de los diferentes realismos fotográficos que se desarrollan en estos años.

El periodismo fotográfico es el que nos da a conocer por medio de una foto todo lo que pasa en un lugar, estas visualizaciones nos cuentan mucho y por esto ya tenemos idea visual de lo que pasa en un lugar.

La posibilidad de imprimir fotografías junto al texto en periódicos y revistas fue investigada durante el siglo XIX mediante diferentes posibilidades, como la litografía o la xilografía. En 1880 se inventó la técnica de impresión en medios tonos, que es la antecesora del actual procedimiento de offset y fotocromía. Sin embargo, el fotoperiodismo también se enfrentaba a problemas técnicos en la toma fotográfica, ya que las emulsiones aún tenían sensibilidades muy bajas, por lo que tomar fotos en interiores o de noche se limitaba al uso irreemplazable del flash (de magnesio, en aquel entonces). Sumado a esta dificultad, las cámaras de gran formato y la frecuente necesidad de usar trípode hacían que los fotoperiodistas estuvieran muy limitados en sus posibilidades de trabajar el "discurso fotográfico documental".

El primer fotógrafo que logró superar estas limitaciones fue Erich Salomon en Alemania, a partir de 1925. Salomon creó un estilo fotográfico documental conocido como foto live o fotografía cándida. Sus fotos se caracterizan por mostrar a los sujetos espontáneamente, sin pose ni arreglo, muchas veces sorprendidos por el fotógrafo.

A partir de entonces se inicia la época de las revistas ilustradas, como la francesa VU, desde 1928, dirigida por Lucien Vogel y la estadounidense Life, a cargo de Henry Luce, desde 1936. Hasta los años 70 serán los soportes principales de publicación para los foto documentalistas, y luego irán perdiendo protagonismo frente a la televisión.

La Fotografía a partir de 1945

Todos los géneros fotográficos surgidos en momentos históricos anteriores tienen su continuación tras la finalización de la Segunda Guerra Mundial. Especial relevancia presenta la evolución en estos años del periodismo fotográfico, en el ámbito de la fotografía documental y los nuevos diálogos que se establecen entre la fotografía y las artes plásticas, que comienzan a fundirse en la denominación genérica de artes visuales.

Asistimos, igualmente a la aparición de otros usos de la fotografía en este período, así como al desarrollo de nuevas visiones de la Fotografía de paisaje y del empleo masivo de la fotografía en color, gracias a la obra de William Eggleston.

En estos años merecen especial mención las obras de Robert Doisneau y Robert Frank, entre muchos otros.

La fotografía en las artes visuales

La discusión acerca del status artístico de las fotografías se inaugura desde su invención. Sin embargo, durante el siglo XIX serán sólo intentos aislados los que se animen a desafiar el lugar que la institución artística ha destinado para la fotografía: el de auxiliar científico a la observación de la realidad, sin ninguna posibilidad de aspirar a la categoría de obra de arte en cuanto se consideraba que era la máquina la que hacía todo el trabajo.

Pictorialismo

La primera iniciativa de fotografía artística surge en 1890 en Europa. Un grupo de fotógrafos crea técnicas de manipulación en la toma y en el positivado, y propone que el resultante de su uso es una obra de arte fotográfico, en cuanto requieren de manipulación por parte del autor y generan obras únicas: dos de los puntos discutidos por parte de los pintores para negar la artisticidad de la fotografía. Algunos autores pictorialistas son: Peter Henry Emerson, Robert Demachy, Henry Peach Robinson, Comandante Puyo. Los pictorialistas reconocen influencias y antecedentes en la fotografía academicista de Oscar Gustav Rejlander y en la obra de Julia Margaret Cameron, ambas de la década del 60 del siglo XIX. La fotografía pictorialista también se conoce como fotografía impresionista por la similitud formal y temática con esta corriente de la pintura.

Cronología

1947 Se funda la Agencia Magnum: una cooperativa de fotógrafos preocupados por la manipulación de la información fotográfica en los medios de prensa.

1950, nuevos procedimientos industriales permiten incrementar enormemente la velocidad y la sensibilidad a la luz de las películas en color y en blanco y negro. La velocidad de éstas últimas se elevó desde un máximo de 100 ISO hasta otro teórico de 5.000 ISO, mientras que en las de color se multiplicó por diez.

1960, que los primeros VTR (Video Tape Recorder que en 1951,ya eran capaces de capturar imágenes de televisión, convertirlas en una señal eléctrica y guardarlas en soportes magnéticos) son utilizados por NASA, para captar las primeras fotografías electrónicas de Marte.

1969, es considerado el inicio de la carrera digital. Willard Boyle y George Smith diseñan la estructura básica del primer CCD (acrónimo de Charge Couple Device ó Dispositivo de Carga Acoplada) Este dispositivo CCD planteado como un sistema para el almacenamiento de información es utilizado un año más tarde, por los laboratorios Bell como sistema para capturar imágenes al construir la primera videocámara.

El siglo XXI para la Fotografía

Nuevos retos se plantean para la fotografía en el siglo XXI con la irrupción de la holografía y la fotografía digital. Esta última ha venido a solucionar uno de los verdaderos problemas de los fotógrafos ubicados en lugares remotos, como los corresponsales, que no tenían acceso a medios de procesado de fotografías. La búsqueda de nuevos medios para poder servir imágenes tan pronto como fuera posible, se encuentra en la base de la aparición en 1990 de la primera cámara digital.

Aunque al principio su precio las hacía inaccesibles para el gran público, hoy en día las cámaras digitales están al alcance de la mayoría, disminuyendo los costos de los materiales y en paulatino aumento de su calidad técnica.

En el campo de la producción existen unas últimas tendencias fotográficas que nos permiten adivinar cómo será el camino a recorrer en este inicio de siglo.

Como fotografiar la Luna de Octubre

La luna da mucho juego en montajes. Si juegas con doble exposición puedes potenciar su reflejo en un lago, o en el mar por ejemplo... Hay multitud de consejos que te pueden dar para fotografiar la luna. Entre ellos, algunos son estos:

• Cámara en enfoque manual y al infinito, medición puntual (a la luna), diafragma a 8.0 y velocidad de obturación aproximadamente en 1/125
  
• Como los tiempos de exposición van a ser medios-altos (depende de la fase lunar - cantidad de luz) no estaría de más usar trípode, para evitar trepidaciones.
  
• Si el zoom óptico de tu cámara no es muy potente, con un poco de pos procesado puedes hacer aumentar el tamaño de tu captura. Un truco interesante consiste en hacer incrementos sucesivos del tamaño al 10% (2 o 3 veces a lo sumo). La degradación de calidad aparente a este porcentaje (10%) es bastante contenida
  

Analisis de negativos

Negativo.Película emulsionada con una capa sensible a la luz que tras la exposición y el procesado produce imágenes captadas con la cámara en valores complementarios (Diapositiva).

Un negativo es una imagen fotográfica en la que las luces aparecen en tonos oscuros y las sombras en tonos claros. La luz reflejada por el motivo hace que, después del revelado, los haluros de plata ennegrezcan en mayor o menor medida, de forma que a mayor intensidad luminosa, mayor oscurecimiento de las sales de plata. Las zonas que reflejan poca luz o ninguna se convierten en las partes claras o transarentes de la emulsión.

En color, además de esta inversión tonal, se produce una inversión cromática, y cada color aparece representado por su complementario. A partir de un negativo se obtiene un positivo proyectando aquel en un segundo material fotográfico, por lo general un papel.

 

 

Importancia de la fotografìa

Desde su nacimiento, la fotografía forma parte de la vida cotidiana, estando tan incorporada a la vida social que a fuerza de verla nadie la advierte.
En la vida contemporánea, la fotografía desempeña un papel de gran importancia.
Es utilizada de diferentes maneras y en distintos ámbitos. Es punto de arranque de mass-media tales como el cine, la televisión y los videocasetes, se desarrolla diariamente en miles de periódicos y revistas.
A través de la documentación fotográfica, abordamos un método de análisis social que nos permite la representación de la realidad a la que nos enfrentamos y queremos descubrir, examinando sus puntos débiles, refiriendo acontecimientos, mostrando sus aspectos dramáticos y apuntando a una comprensión amplia, dejando imágenes vivas en nuestras mentes.
La importancia de la fotografía para la representación social no sólo reside en el hecho de que es una creación sino sobre todo en el hecho de que es uno de los medios mas eficaces de moldear nuestras ideas y de influir en nuestro comportamiento.
El objetivo es un instrumento que registra pero no es en absoluto ingenuo, es manifestación de ideas y pensamientos, es la viva voz del investigador que deja en sus fotos imágenes para recordar, reflexionar, sentir.

Andres Serrano

 

Andres Serrano (Nueva York, 15 de agosto de 1950) es un fotógrafo estadounidense que se ha convertido en uno de los más notorios a través de sus fotografías de cadáveres, además de su polémico trabajo "Piss Christ", una fotografía de un crucifijo sumergido en un vaso con la orina del propio artista.

Serrano, de raíces hondureñas y afro-cubanas fue educado como católico. Estudió desde 1967 a 1969 en el Brooklyn Museum and Art School, y vive y trabaja en Nueva York.

Su trabajo ha sido expuesto en lugares tan variados y prestigiosos como la Catedral de Saint John de Nueva York, el Barbican Arts Centre de Londres y en la Colección Lambert Avignon.

La obra de Serrano como fotógrafo suele ser en forma de ampliaciones de 0.5 por 0.8 m, producidas con técnicas fotográficas convencionales (sin manipulación digital). Ha tratado un vasto conjunto de temáticas incluyendo retratos de miembros del Ku Klux Klan, fotos de cadáveres, e imágenes de víctimas quemadas.

Muchas de las fotografías de Serrano contienen fluidos corporales, tales como sangre (a veces del ciclo menstrual), semen (por ejemplo, "Blood and Semen II" (1990)) o leche materna. Dentro de esta serie hay numerosos trabajos de objetos sumergidos en estos fluidos. El más famoso de ellos es Piss Christ" (1987), un crucifijo de plástico inmerso de un vaso de orina. Esta fotografía causó una gran polémica la primera vez que fue expuesta. Serrano, como otros artistas como Robert Mapplethorpe, se convirtió en una figura atacada por producir arte ofensivo, mientras que otros lo defendieron en nombre de la libertad artística.

La obra "Blood and Semen III" se usó como portada del disco Load de la banda de heavy metal Metallica, mientras que la obra "Piss and Blood" se usó en ReLoad

 

 

Julia Margaret Cameron

 

Julia Margaret Cameron (11 de junio de 1815 - 26 de enero de 1879) fue una fotógrafa inglesa que se dedicó al retrato fotográfico de corte artístico, así como a la representación escenográfica de alegorías que la enmarcan en la corriente de la fotografía academicista.

Llegó a exponer en la Exposición Universal de 1870, y su obra fue reconocida póstumamente, junto a la de Lewis Carroll, gracias a su reivindicación por parte de los fotógrafos del pictorialismo, así como al apoyo del grupo literario de Bloomsbury y a su sobrina nieta Virginia Woolf.

 

Nace en Garden Reach, Calcuta, como Julia Margaret Pattle, de padre oficial en la Compañía East Indias y descendiente de aristócratas franceses, el 11 de Junio de 1815. Del año 1818 al 1834 se educa en Paris e Inglaterra. En la India conocerá a su marido, Charles Hay Cameron dueño de una gran plantación de té. Él, 20 años mayor que ella, le proporciona una vida más que desahogada. Así en 1848 se mudan a Inglaterra y en 1860 se establecen en la Isla de Wight con losTennysons como vecinos, a los que fotografiará infinidad de veces. En 1863, su hija la regala una cámara de fotos, Cameron tiene 48 años de edad y aquí comienza su carrera fotográfica. Cameron era una aristócrata ociosa que encaja perfectamente en la sociedad de la Inglaterra victoriana, y en ese contexto tener de hobbie la fotografía era bastante exclusivo. Al año siguiente de su regalo obtiene lo que ella llama "su primer logro, su primera fotografía". Ese mismo año es elegida miembro de la Sociedad Fotográfica de Londres y Escocia

Hace un acuerdo con Colnaghi, que se ocupa de imprimir y vender fotografías y registra sus fotos en el "Fine Arts Registres of the Public Record Office", (entre 1854 y 1875). En 1864 expone en Colnaghi´s de Londres. En 1866 expone en la "Galería Francesa" de Londres y gana la medalla de oro de Berlín.

Se compra otra camara de Placas de 12×15 cm, lente focal de 30 s, trabaja con aperturas abiertas y exposiciones de 3 a 7 minutos. En 1868 expone en la "Galería Alemana de Londres" y Charles Darwin la contrata para que realice sus retratos.

En 1873 muere su hija. Al año siguiente empieza e escribir "Annals of my glass house" y realiza las fotografías para ilustrar las ediciones del poeta Tennyson del libro "Idylls of the king and other poems" con 12 fotografías de Cameron. En 1875 produce la segunda parte del libro de poemas en el mismo formato que el anterior y se muda a Ceylon. Muere en 1879 en este lugar.

 

 

 

Misha Gordin

 

Nace en Rusia en 1946. En 1974 tras años de descontentos con las autoridades comunistas, deja Rusia para irse a Estados Unidos. Misha Gordin basa su trabajo fotográfico en el concepto, su obra es básicamente una obra conceptual que requiere un laborioso proceso desde la imagen inicial a la imagen final. Se parte de una idea, a continuación, un dibujo, montaje de los componentes, los disparos y el estudio de los materiales, seguida por la meticulosa labor cuarto del oscuro. Es por lo tanto un trabajo artesanal que le llega a ocupar horas, días e incluso semanas con algunas de sus obras. El mismo nos lo cuenta:

Todas mis imágenes son ensambladas en un cuarto oscuro tradicional en virtud de una extensión usando una técnica de enmascaramiento desarrollado y perfeccionado en los últimos años.  Esta técnica tiene por supuesto sus limitaciones y me dirijo a ellas cuando se trabaja en ideas.  Además, antes de imprimir el original, hago pruebas y ajustes para cada negativo que se va a imprimir.  Yo escribo las tablas donde me indique la correcta exposición y todas las secuencias de manipulaciones para cada negativos utilizados.  Luego viene la etapa de “secado” de impresión. Esta parte es la más implacable. Proyecto meticulosamente un negativo tras otro, cambiando constantemente preciso máscaras hasta el último negativo que utilizo. Es como regresar con seguridad a casa después de un largo, largo viaje en coche. Esta parte tiene que ver con la disciplina y tiene muy poco que ver con el arte. Después viene el momento de la “sentencia” cuando la primera impresión surge del desarrollador.  Miro por posibles errores de la imagen en sí misma y siento una gran sensación de alivio cuando logro que la impresión sea “impecable”. Lamentablemente la técnica que yo estoy usando no tiene margen para errores. Se requiere una completa concentración y puede ser muy agotador física y mentalmente.

 

 

 

Eugene Atget

 

Nace en Libourne (Francia) el 12 de Febrero de 1857. Se convierte en fotógrafo que suministra material a los pintores de estudio de la época, los cuales incorporan a sus cuadros los detalles, flores, objetos y árboles que registra con su cámara.
Él considera sus fotografías como documentos para artistas.

También trabaja para ciertos organismos oficiales como la Comisión del Viejo París y la Biblioteca Histórica de la Villa de París, para los que realiza diferentes series: París pintoresco 1898-1900, El viejo París 1898, El arte en el viejo París 1900, La topografía del viejo París 1901, París Pintoresco 1910.

Sus fotografías están realizadas a primeras horas de la mañana (se le solicitaba que no aparecieran personas) ya que el interés oficial se orienta hacia los monumentos históricos.
Recorre uno a uno los diferentes barrios de París. Amplía su objetivo de reflejar los monumentos históricos a todo edificio o lugar que le despierta interés. No está interesado en el Gran París de Hausmann, él está interesado en el París que cambia constantemente.
Realiza una cantidad ingente de fotografías desde 1898 hasta 1925, año de su muerte.
Al final de su vida se sugestiona con el París que está desapareciendo, hay textos en sus fotografías que indican la próxima desaparición de los elementos que figuran en las mismas.

 

Oliviero Toscani

 

(n. 1942, Milán) es un fotógrafo italiano, reconocido principalmente por sus campañas publicitarias diseñadas para la marca de ropa Benetton, las cuales provocaron controversia en las décadas de 1980 y 1990.

Estudió fotografía en Zúrich, Suiza, entre 1961 y 1965. Entre 1982 y 2000, Toscani trabajó para Benetton, contribuyendo al crecimiento de la marca United Colors of Benetton hasta ser una de las marcas más reconocidas mundialmente.

Una de sus campañas más famosas incluía una fotografía de un enfermo de SIDA agonizando en una cama de hospital, rodeado de familiares dolientes. Otras, incluían alusiones al racismo, la guerra, la religión y la pena capital. En 1990, Toscani fundó la revista Colors (propiedad de Benetton), junto con el diseñador gráfico Tibor Kalman. Bajo el lema "una revista sobre el resto del mundo", Colors explotaba el multiculturalismo prevalente en la época, así como a las campañas publicitarias de Benetton. La línea editorial era independiente de la marca de ropa. En 1993, Toscani creó Fabrica, un centro de investigación sobre el arte en la comunicación; y encargó el diseño al arquitecto japonés Tadao Ando.

En 2005, Toscani levantó polémicas nuevamente, cuando hizo fotografías para la campaña publicitaria de la marca de ropa masculina "Ra-Re". Los retratos aludían al homosexualismo masculino, de un modo que enardeció a diversos grupos que debatían los derechos homosexuales.

 

Henri Cartier-Bresson

 

(22 de agosto 1908 - 2 de agosto 2004) Fue un célebre fotógrafo francés considerado por muchos el padre del foto reportaje. Predicó siempre con la idea de atrapar el instante decisivo, versión traducida de sus "images a la sauvette", que vienen a significar con más precisión "imágenes a hurtadillas". Se trataba, pues, de poner la cabeza, el ojo y el corazón en el mismo momento en el que se desarrolla el clímax de una acción.

A lo largo de su carrera, tuvo la oportunidad de retratar a personajes de la talla de Pablo Picasso, Henri Matisse, Marie Curie, Edith Piaf, Fidel Castro y Ernesto Guevara. También cubrió importantes eventos, como la muerte de Gandhi, la Guerra Civil Española, donde filmó el documental sobre el bando republicano "Victorie de la vie", la SGM, en la que estuvo en la Unidad de Cine y Fotografía del ejército galo o la entrada triunfal de Mao Zedong a Pekín. Cartier-Bresson fue el primer periodista occidental que pudo visitar la Unión Soviética tras la muerte de José Stalin.

 

 

Joan Fontcuberta

 

(1955, Barcelona)Licenciado en Ciencias de la Información, Fontcuberta es profesor de Estudios de Comunicación Audiovisual en la Universidad Pompeu Fabra de Barcelona y la Harvard University de Cambridge (Massachusetts), funciones que desempeña simultáneamente con su colaboración con diversas publicaciones especializadas en imagen. En 1980 fue co-fundador de la revista Photovision, editada en formato bilingüe español e inglés, ocupando el cargo de redactor jefe.

Como promotor de eventos relacionados con el arte fotográfico, organizó las Jornadas Catalanas de Fotografía en 1979 y en 1982, colaboró en la constitución de la Primavera Fotográfica de Barcelona. En 1984, comisarió la exposición Idas y Caos. Vanguardias fotográficas en España 1920-1945 exhibida en la Biblioteca Nacional de Madrid y en el International Photography Center de Nueva York y más tarde Creación Fotográfica en España 1968-88 mostrada en el Musée Cantini de Marsella y en el Centro de Arte Santa Mónica de Barcelona. En 1996 fue nombrado director artístico del Festival Internacional de Fotografía de Arles. En 1998 obtuvo el Premio Nacional de Fotografía del Ministerio de Cultura.

Su extensa obra fotográfica se caracteriza por el uso de herramientas informáticas en su tratamiento y su presentación de manera interactiva con el espectador. Al igual que otros artistas contemporáneos, representa una visión crítica de la realidad, las verdades fotográficas, históricas o ficticias a través de la fotografía y su contexto.

Entre 1985 y 2001, la obra de Fontcuberta fue expuesta en más de una treintena de museos y salas de arte de Europa, América del Norte y Japón como el Folkwang Museum de Essen en 1987, el Museo de Arte Moderno de Nueva York, en 1988, el Museo de Arte Contemporáneo de Sevilla, en 1989, el IVAM de Valencia, 1992, la Parco Gallery de Tokyo, 1992, el Museo de Bellas Artes de Bilbao, 1995, el Musée de l’Elisée de Lausana, 1999, el MNAC-Museo Nacional de Arte de Catalunya de Barcelona, 1999, o la Redpath Museum de Montreal, 1999.

 

David Nebreda

 

Fotógrafo español, nacido en Madrid el 1 de agosto de 1952. Licenciado en Bellas Artes. A los 19 años los médicos le diagnosticaron esquizofrenia.

 

Vive encerrado en un piso de Madrid con apenas dos habitaciones donde ha realizado la totalidad de su obra fotográfica, sin tomar medicación, sin comunicación con el exterior, sin radio, prensa, libros ni televisión. Vegetariano desde los 20 años, practica la abstinencia sexual, y se somete a severos ayunos que le mantienen un estado de delgadez extrema.

 

El único referente cercano a su obra puede ser la del artista Joel-Peter Witkin, aunque el busca sus modelos en personas ajenas o en cadáveres, no como Nebreda que basa todo su trabajo en su propia persona.

 

 

 

Joel Peter Witkin

Fotógrafo estadounidense nacido el 13 de septiembre de 1939 en Nueva York.

 

Trabajó como fotógrafo de guerra entre 1961 y 1964 en la Guerra de Vietnam. En 1967 decidió trabajar como fotógrafo freelance y se convirtió en el fotógrafo oficial de City Walls Inc. Estudió después escultura en la Cooper School Of Fine Arts de Brooklyn donde consiguió un título en artes en 1974. Después de que la Universidad de Columbia le concediera una beca terminó sus estudios en la Universidad de Nuevo México en Albuquerque donde consiguió su Master en Bellas Artes.

 

Sus fotos suelen involucrar temas y cosas tales como muerte, sexo, cadáveres (o partes de ellos) y personas marginales como enanos, transexuales, hermafroditas o gente con deformaciones físicas. Sus complejos tableauxs a menudo evocan pasajes bíblicos o pinturas famosas. Esta naturaleza transgresora de su arte ha consternado a la opinión pública en repetidas ocasiones y ha provocado que lo acusen de explotador y que haya sido marginalizado como artista en diversas ocasiones.

 

 

 

El retrato

 

En terminos literarios es la descripción minuciosa y extensa de un personaje, presentando sus cualidades físicas y morales en un mismo enfoque pictórico: una fusión de la prosopografía y la etopeya.

Un retrato es una pintura, fotografía u otra representación artística de una persona.

 

A menudo se captan los rasgos de la cabeza del retratado. La intención es representar la apariencia física de la persona, incluso a veces se logra representar su personalidad y a través de todo esto reflejar al mismo artista.

El arte del retrato floreció en las esculturas romanas, en las que los retratados demandaban retratos realistas, incluso si no les favorecían. Durante el siglo IV, el retrato cedió terreno en favor de la idealización del aspecto del retratado. Basta comparar los retratos de Constantino I el grande y Teodosio I. Los retratos realistas reaparecieron en la Alta Edad Media, en Burgundia y Francia.

RETRATO FOTOGRAFICO

 

El retrato fotográfico es un género donde se reúnen toda una serie de iniciativas artísticas que giran en torno a la idea de mostrar las cualidades físicas o morales de las personas que aparecen en las imágenes fotográficas.

Su práctica se encuentra ya en los inicios de la fotografía donde destaca la labor realizada por los fotógrafos ambulantes, los fotógrafos comerciales de los estudios parisinos, los primeros retratos psicológicos, el retrato popular presentado por la fotografía academicista, así como la obra documental de David Octavius Hill.

 

http://es.wikipedia.org/wiki/Retrato_creativo

http://es.wikipedia.org/wiki/Retrato_fotográfico

 

 

Proxèmica

El término proxémica fue introducido por el antropólogo Edward T. Hall en 1963 para describir las distancias medibles entre la gente mientras estas interaccionan entre sí. El término proxemia se refiere al empleo y a la percepción que el ser humano hace de su espacio físico, de su intimidad personal; de cómo y con quién lo utiliza.

Hall diferenció tres espacios en el sentido del territorio propio: tipos de TERRITORIOS o ESPACIOS

• Espacio fijo: es el marcado por estructuras inamovibles, como las barreras de los países.
• Espacio semifijo: es el tipo de espacio que posee obstáculos posibles de mover o que se mueven.
• Espacio personal o informal: espacio alrededor del cuerpo. Varía en función de las culturas, ya que cada cultura estructura su espacio físico. Este espacio puede ser invadido. Si se utiliza un territorio ajeno con falta de respeto (mirar fijamente a alguien u ocupar dos asientos con bolsas cuando hay gente de pie) se da una violación del terreno.

http://es.wikipedia.org/wiki/Proxémica

 

Tipos de Objetivos

 

Podemos hablar de cuatro tipos de objetivos:

 

• Ojo de Pez (Fish Eye)
  
• Gran Angular
  
• Objetivo Normal
  
• Teleobjetivo
  

 

Por lo que hemos explicado, solemos referirnos a los objetivos utilizando su distancia focal, haciendo la clasificación en base a la fotografía de 35 mm del siguiente modo: distancias focales de 5 a 17 milímetros para los ojos de pez; entre 18 y 35 mm los grandes angulares; entre 36 y 55 mm los objetivos normales, y a partir de los 80, teleobjetivos.

Ojo de Pez

Son objetivos con un ángulo visual extremo, de 180 grados o más. Por su gran distorsión, transforman la escena en una imagen circular, parecida a la producida al mirar a través de la mirilla de una puerta.

Gran Angular

Son objetivos con un ángulo de visión inferior al ojo de pez, pero superior a los normales. 

Se consideran grandes angulares los que proporcionan un ángulo visual comprendido entre los 60 y los 180 grados. En 35 mm, la distancia focal varía desde los 18 a los 35 mm. Con ellos, los objetos cercanos a la cámara aparecen muy grandes con relación a los objetos más alejados y con una fuerte distorsión en perspectiva, tanto mayor cuanto más se desplazan fuera del eje óptico.

Sus usos principales son: 

Reportajes, para poder abarcar el conjunto del sujeto cuando se trabaja en espacios reducidos: interior de habitaciones, coches, etc.

Exagerar la perspectiva de los objetos. Esta deformación será tanto mayor cuanto más nos acerquemos.

Conseguir una mayor profundidad de campo.

En macrofotografía, se utilizan invertidos para conseguir la máxima ampliación cuando se trabaja con fuelles de extensión.

Objetivo Normal

Son los que cubren un ángulo visual comprendido entre los 43 y 56 grados, lo que se aproxima bastante al campo visual del ojo humano inmóvil. Vienen a ser un término medio entre los grandes angulares y los teleobjetivos.

La distancia focal de estos objetivos se corresponde en cámaras réflex de 35 mm a la franja entre los 40 y 55 mm.

Teleobjetivo

Se consideran teleobjetivos aquellas ópticas con un ángulo visual menor de 31 grados. Su principal característica es el formar en la cámara imágenes grandes de objetos alejados. Sus distancias focales son siempre mayores que las de los objetivos normales. En 35 mm van de los 80 mm en adelante.

Dentro de los teleobjetivos se suele hacer la siguiente subclasificación: teleobjetivos cortos, cuando oscilan entre los 80 y 135 mm de focal; teleobjetivos normales, entre los 135 y 240 mm, superteleobjetivos, entre los 240 y 500 mm, ultratelefotos, más allá de los 500 mm.

Existen unos accesorios conocidos como convertidores, teleconvertidores o duplicadores de focal, que se intercalan entre un objetivo y el cuerpo de la cámara para modificar la distancia focal del objetivo. Así, un convertidor 2X, unido a un teleobjetivo de 100 mm, lo convierte en un objetivo de 200 mm. Se utilizan para aumentar la focal de forma económica, disminuyendo algo la calidad y luminosidad de la imagen.

Los teleobjetivos suelen utilizarse para: Fotografiar a distancia cuando no podemos acercarnos al motivo (Naturaleza, reportaje, deportes, etc.)

Retratos de primer plano (135 a 150 mm)

Objetivos especiales

Existe un quinto tipo de lentes: son los objetivos especiales. En esta clasificación entrarían objetivos diseñados para aplicaciones más concretas o específicas. El más conocidoes el objetivo para fotografía macro.

 

Filtros

Tipos de filtros según su uso

Según el uso que se le da a los filtros, podríamos hablar de la existencia de cinco grandes grupos: filtros protectores, filtros polarizadores, filtros de densidad neutra, de colores, y filtros de efectos especiales.

 

Filtros protectores

También llamados filtros UV, son los más sencillos, ya que no hacen nada con la imagen. Buscan proteger físicamente la lente de golpes, polvo, arañazos, etc. dejando pasar completamente la luz. Si son de buena calidad, prácticamente no habrá pérdida de luz.

Para este tipo de filtros hay partidarios y detractores, ya que, si bien protegen el objetivo de algunos posibles daños, los más puristas afirman que se pierde nitidez y calidad de imagen con su uso, ya que producen flares, producen difraccion con digitales, y tienen peor calidad que las lentes que componen un objetivo bueno.

Por ello, es una elección personal del usuario el disfrutar plenamente de las posibilidades del objetivo bajo riesgo de sufrir algún percance en la óptica de la cámara, o la de utilizar uno de estos filtros para proteger la lente a cambio de perder algo de luz y/o nitidez.

Filtros polarizadores

Los filtros polarizadores se caracterizan por dejar pasar únicamente la luz polarizada.

Existen dos tipos de filtros polarizadores: los lineales y los circulares. En la actualidad, lo normal es encontrar circulares, ya que los lineales impiden el correcto funcionamiento de los objetivos con autofoco.

Las principales características de los filtros polarizados son: 

• la eliminación de reflejos sobre superficies no metálicas como agua y cristal, especialmente con ángulos entre 30º y 40º.
• el realce del colorido de las plantas al filtrar los reflejos azulados del cielo.
• la eliminación de luz del cielo sin nubes, tornando el azul del cielo a un tono más oscuro, con lo que las nubes blancas se realzan frente al azul del cielo. Este efecto varía en intensidad en función del ángulo respecto al sol.

Por dejar pasar únicamente ciertos tipos de luz, los colores del arco íris desaparecen a través de este tipo de filtros.

Filtros de densidad neutra

Filtran todo el espectro visible, permitiendo la reducción de la intensidad de la luz sin que se altere el color o el contraste. Mediante su uso disminuye la cantidad de luz que llega al sensor de la cámara. Utilizan distintas numeraciones según el grado en el que limitan el paso de la luz, siendo más pronunciada esta limitación a mayor número del rango. 
Con estos filtros conseguimos 

• reducir la intensidad de la luz
• utilizar una velocidad de obturación menor
• utilizar una apertura de diafragma mayor

Una aplicación habitual de los filtros de densidad neutra son las fotos en corrientes de agua (ríos, saltos de agua, cascadas) en las que, gracias al uso de un trípode y de tiempos de exposición prolongados, el agua aparece como una masa difusa.

 

También podemos conseguir menores profundidades de campo en fotografías con luz ambiente que saldrían sobreexpuestas sin el uso de estos filtros.

 

Filtros de colores

Utilizados principalmente en fotografía en blanco y negro, de colores amarillos, naranjas, rojos y verdes, absorben ciertos colores resaltando otros. En fotografía digital, el efecto obtenido con este tipo de filtros se puede simular bastante bien convirtiendo las fotos a blanco y negro a través del mezclador de canales, donde indicamos el uso de cada canal de color, o lo que es lo mismo, limitamos el paso de la luz de ciertos colores.

http://www.dzoom.org.es/

 

Efectos psicològicos del color

Rojo

Es el color del fuego y de la sangre, produce calor. Es el más caliente de los colores cálidos, se relaciona con la pasión, los impulsos y el peligro. 
El rojo aumenta la tensión muscular, el deseo y la excitación. Activa la circulación y por ende acelera las palpitaciones, eleva la presión arterial y acelera la respiración.

Su aspecto negativo es que puede generar actitudes agresivas, incluso despertar la cólera.
Vigoroso, impulsivo, activo, simpático

ANARANJADO

Tiene alguno de los efectos del rojo pero en menor grado. Es un color incandescente, ardiente y brillante. Estimula el esparcimiento, la vitalidad, la diversión y el movimiento. Disminuye la fatiga , estimula el sistema respiratorio y ayuda a la fijación del calcio. Favorece la buena relación entre cuerpo y espíritu aumentando el optimismo.
Se relaciona con la comunicación, el equilibrio, la seguridad y la confianza. Por el hecho de ser reconfortante y estimulante puede tanto calmar como irritar. Es propicio para trabajar en equipo, ayuda a la interrelación y la unión.
Es ideal para utilizar en lugares dónde la familia se reúne para conversar y disfrutar de la compañía.
Debido a su efecto estimulante también se utiliza en los lugares de comidas rápidas, ya que abre el apetito y además generar una rápida circulación de público.
Recurra a este color si desea quebrar barreras, despertar el entusiasmo interior y divertirse más en la vida.
Sociable, impetuoso, amable.

ROSA: calma, debilidad, tranquilidad.

AMARILLO

Es el color de la luz del sol. Genera calor, provoca el buen humor y la alegría. Es el más sutil de los colores cálidos, actúa como un energizante positivo que no llega a ser agresivo, dando fuerza al sistema digestivo y a los músculos.
Estimula la vista y actúa sobre el sistema nervioso. Está vinculado con la actividad mental y la inspiración creativa ya que despierta el intelecto y actúa como antifatiga. 
Los tonos amarillos calientes pueden calmar ciertos estados de excitación nerviosa, por eso se emplea este color en el tratamiento de la psiconeurosis.
El amarillo es muy utilizado en áreas de acceso, salones sociales y cuartos de estudio. Por su característica de "generar calor" es recomendable en climas fríos.
Los colores basados en la gama de los amarillos son en su mayor parte neutros y fáciles de utilizar. El uso excesivo del amarillo crea una sensación de informalidad.
Es el color más difícil de visualizar para el ojo humano.

VERDE

Es un color sedante, hipnótico, anodino. Resulta eficaz en los casos de excitabilidad nerviosa, insomnio y fatiga. Disminuye la presión sanguínea, bajando el ritmo cardíaco. Dilata los capilares aliviando neuralgias y jaquecas. El verde es un color sedativo, ayuda al reposo y fortifica la vista.
Trae paz, seguridad y esperanza. Simboliza la fecundidad, es curativo y renovador.
Es fresco y húmedo, induce a los hombres a tener un poco de paciencia.
El verde natural es el pigmento de la clorofila, que ayuda a las plantas a absorber la energía solar para elaborar su alimento. Por eso es esencial para la vida vegetal, siendo un ejemplo de relación natural entre el color y la luz.
Se utiliza para neutralizar los colores cálidos. Indicado para cualquier ambiente, es aconsejable tener en el baño toallas o detalles en este color, ya que purifica y da energía al cuerpo.
Es el color más fácil de visualizar por el ojo humano.

AZUL

Es el color que con su efecto tónico, eleva la presión de la sangre por contracción de las arterias. Actúa como antiséptico, antifebril y astringente. También demuestra su eficacia en los estados reumáticos. Para un individuo emotivo el azul es más calmante que el verde. Abre la mente, brindando paz y tranquilidad.
El azul es el más sobrio de los colores fríos, transmite seriedad, confianza y tranquilidad. Se le atribuye el poder para desintegrar las energías negativas.
Favorece la paciencia amabilidad y serenidad, aunque la sobreexposición al mismo produce fatiga o depresión. 
Es uno de los colores preferidos, pero resulta difícil de utilizar en la decoración de los ambientes. Es ideal para el cuarto de los niños ya que ayuda a apaciguar su energía. También se aconseja para balancear el uso de los colores cálidos.

Clasificación de los colores en base al efecto psicológico sobre el espectador. Como elegir los colores para su producto. Importancia de saber las reacciones del consumidor sobre este tema. 

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PURPURA

Actúa sobre el corazón, los pulmones y los vasos sanguíneos. Aumenta la resistencia de los músculos y tejidos. Expande el poder creativo desde cualquier ángulo. Tiene buen efecto sobre los problemas de ciática. Disminuye la angustia, las fobias y el miedo. Una luz color violeta aún a el efecto estimulante del rojo y el tónico del azul.
Representa el misterio, se asocia con la intuición y la espiritualidad, influenciando emociones y humores. También es un color algo melancólico. Antaño a causa de su elevado precio se convirtió en el color de la realeza y por ello, aún en nuestros días, parece impresionante pomposo y magnífico.
Es un tono muy complejo para utilizar en decoración ya que resulta ambiguo e incierto. No es aconsejable pintar el ambiente entero en este color, en cambio una sola pared, puede dar un cambio sorprendente a un ambiente cargado de colores cálidos. En un tono más azulado es ideal para sitios de meditación.

BLANCO
Su significado es asociado a la paz, pureza, fe. Alegría y pulcritud. Es la fusión de todos los colores y la absoluta presencia de la luz. Para los orientales es el color que simboliza el más allá o el cambio de una vida a la otra.
Es un color purificador, brinda sensación de limpieza y claridad. Ayuda a alejarse de lo sombrío y triste.
Representa el amor divino, estimula la humildad y la imaginación creativa.
Se puede utilizar en la decoración de un ambiente en grandes cantidades sin sobrecargar el ambiente. Luce moderno y fresco, pero hay que recordar que refleja el 80% de la luz, por eso es aconsejable usar menos luz que con el resto de los colores o bien entonarlo levemente.
El blanco es óptimo para que los ambientes luzcan amplios e iluminados.

NEGRO

Tradicionalmente el negro se relaciona con la oscuridad, desespero, dolor, formalidad y solemnidad. Es la ausencia del color y de toda impresión luminosa, es lo opuesto a la luz ya que concentra todo sí mismo. Es el color de la tristeza y puede determinar todo lo que está escondido y velado.
Es un color que también denota poder y en la era moderna comenzó a denotar el misterio y el estilo.
El negro se debe utilizar en cantidades pequeñas como accesorios, detalles y espacios dónde no se permanezca por mucho tiempo. Si se usa en grandes cantidades puede resultar agobiante y dado que absorbe la luz se debe contemplar la instalación de luz adicional.

GRIS

Iguala todas las cosas y no influye en los otros colores. Puede expresar elegancia, respeto, desconsuelo, aburrimiento, vejez.
Es un color neutro y en cierta forma sombrío. Ayuda a enfatizar los valores espirituales e intelectuales.
Si se utiliza en exceso en un ambiente, lo hará parecer monótono y aburrido. Es muy interesante utilizarlo en una decoración complementándolo con colores contrastantes y luminosos.

http://www.escuelaweb.com.mx/amazon2.htm